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Sodomites

ATENCIÓN: ESTA PELÍCULA CONTIENE IMÁGENES CHOCANTES Y SEXO EXPLÍCITO.

Francia 1998
Dirección  Gaspar Noé
Guión: Gaspar Noé
Reparto:  Marc Barrow, Coralie, Mano Solo, Pamella Castel Love, Philippe Nahon

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¿Utopía delirante?

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¿Es posible que la especialización y los métodos de trabajo basados en la producción en masa de películas, nos alejen de la verdadera esencia de lo que estamos haciendo? Siempre hay mucho que hacer y poco tiempo. Terminar se convierte en el objetivo principal. Cada uno es un profesional en lo suyo, cada uno tiene un objetivo, que su trabajo quede lo mejor posible. Casi siempre los motivos para lograr este fin son técnicos, falta luz, pasa un avión, fallo de raccord, un poco más triste, mantén la mirada…hay que solucionar estas cosas y cada uno a lo suyo. Hay un plan de rodaje en función del tiempo y del dinero. Todo se ajusta y se rueda lo que está escrito. ¡Y voilà, se terminó. Pero aún no se ha visto la “magia del cine” En muchos casos lo que se ven son caras de extrañeza, actores desconcertados, directores en estado de trance, sonidistas atacando el catering (en mi caso) etc…Después se monta, se hace la posproducción y la música. Y es ahí donde aparece la magia, porque generalmente lo que estaba planeado cambia y aunque conserva la esencia, es otra cosa. En este punto el director vuelve en si, respira y da gracias al señor.
¿Dónde está la magia? En la sorpresa, no hay que ser muy listo para entender esto. Los métodos de trabajo estándar no dejan lugar a la sorpresa. Están basados en el tiempo y el dinero. Los guiones se escriben con técnicas basadas en lo que lleva funcionando desde los tiempos de Asalto al tren del dinero y que en muchos casos funciona. Todo esto es normal porque si se invierte dinero lo más normal es querer ganar dinero y no perderlo. Pero entonces, ¿en qué nos convierte todo esto?¿Qué significado tiene lo que hacemos?¿Qué significado tiene para el espectador?

Contesto una a una en el mejor de los casos;
1-En un empleado y si pasas por el aro seguirás siéndolo.
2-Ganar dinero y premios.
3-Pasarlo bien.

Contesto una a una en casi todos los casos;
1-En un empleado y si pasas por el aro, a lo mejor seguirás siéndolo.
2-Perder dinero y salud, o sea, ninguno.
3-Pagar y sentirse estafado.

Es cierto que la primera de las dos opciones no está nada mal y que en esos marcos se crean grandes películas, no digo que no. Pero la proporción es muy pequeña y hay que ser un gran técnico. Pero lo que realmente me parece extraño, por no decir otra cosa, es que cuando apenas hay dinero o directamente no hay dinero para hacer las cosas, se siga por el mismo camino.

Los cortometrajes, son un espacio para la experimentación, con total libertad creativa para nuevos métodos. ¿Por qué todo el mundo sigue el mismo camino?
Lo estándar puede ser peligroso al igual que la libertad total. Creo que lo ideal es ser totalmente libre pero con un pie en lo estándar. Para esto hay que contar con una mente abierta y métodos de trabajo diferentes que encajen en lo estándar.
Esto es de vital importancia si no queremos caer en la banalidad absoluta o la marginalidad. Pero parece que como un reflejo social, los términos medios están desapareciendo. Y no quedará otra que luchar si no queremos estar en ninguno de los dos extremos.
Haciéndolo podría volver a contestar las preguntas.
¿En qué nos convierte todo esto?¿Qué significado tiene lo que hacemos?¿Qué significado tiene para el espectador?

Contesto una a una en el mejor de los casos;
1-En un trabajador y seguirás siéndolo.
2-Aquí ya hay varias posibilidades, en mi caso, luchar por lo que ideológicamente creo.
3-Vivir una experiencia.

Contesto una a una en el peor de los casos;
1- En un trabajador y seguirás siéndolo. Realizaras películas marginales.
2- Aquí ya hay varias posibilidades, en mi caso, luchar por lo que ideológicamente creo.
3- Vivir una experiencia, puede que buena, puede que mala.

Para terminar os pongo varios ejemplos de grandes cineastas actuales que utilizan métodos diferentes pero siempre con un pie en lo establecido.

Werner Herzog

Lucrecia Martel y su puesta en escena a través del sonido.

Hirokazu Koreeda sobre el guión.

Wong Kar Wai un tipo que odia escribir guiones

David Lynch que decir…os dejo su último videoclip

Javier Rebollo sobre todo esto…

Salud  y a crear.

Act Of Faith

TÍTULO ORIGINAL: Act Of Faith
AÑO: 2012
PAÍS: U.K.
DIRECTOR: Mitch Jenkins
GUIÓN: Alan Moore
MÚSICA:
FOTOGRAFÍA: Gary Shaw
REPARTO: Soibhan Hewlett
PRODUCTORA: Les Cinémas de la Zone
GÉNERO: Drama.  Cortometraje

 

Cuestión de evolución

“Influir en el espectador, modelarlo, conquistarlo; concebirlo, como un semejante o como alguien contrario, incluso proponerse “liberar” su mente. En términos sociales, tratar de informar o formar al ciudadano, poniendo a su alcance una versión de la ideología en cuestión o animándole a instruirse por sí mismo. Este marco reflexivo delimita algunas de las dudas y conflictos cinematográficos de Occidente en el siglo XX…”

Ok, estamos en el siglo XXI. El cine nació el plena revolución industrial. Cada invento, cada forma artística, nace como una necesidad humana de controlar el mundo. El cine es arte industrial por excelencia, un arte masivo. Dejando la cuestión  de si es un arte o un medio de expresión, el cine nos ayuda a comprender un mundo en el que las personas se conocen poco entre ellas. La gente que nunca sale de su país, de su provincia o de su barrio, puede encontrar en el cine un medio de viajar, un medio de evasión, de comprensión o de organización. Como comentaba en otra entrada el cine puede ser un reflejo social o un reflejo auto-impuesto. Como reflejo social esta claro que la cosa lleva estancada mucho tiempo. La mente colectiva lleva en crisis, palabra de moda, mucho tiempo. ¿Reflejo o auto-reflejo?
Crisis, crisis, crisis…Las crisis son necesarias. Para los chinos, que saben mucho, la palabra crisis tiene un doble significado, por un lado el que ya conocemos y por el otro uno mucho más positivo, OPORTUNIDAD.
La inteligencia humana al igual que el desarrollo Darwinista han necesitado de las  crisis para su desarrollo. Sin una crisis aun seguiríamos subidos a un árbol. Por lo que lo que se puede deducir que la búsqueda de estabilidad no es posible, es un concepto antinatural. Aún así todos la buscamos, ¿por qué? puede que sea por miedo o porque desde pequeños nos han enseñado a ello. El mundo es un sitio hostil, de eso no cabe duda, lo hemos visto en las noticias y las películas dan buena cuenta de ello. Catástrofes, invasiones, guerras…parece que la humanidad no tiene escapatoria. Bueno en las películas si, siempre se vuelve al Status Quo de los cojones. El cine está en “crisis”. El cine español es un experto en este tema un alumno aventajado con un alto potencial. Al igual que las clases de nuestro país, el cine que se hallaba en un termino medio va a desaparecer. Julio Meden, Víctor Erice o Nacho Vigalondo, por nombrar a los más conocidos, no logran hacer películas, o les cuesta horrores, no hablemos de los que nos encontramos por debajo buscando algo a lo que agarrarnos. La eliminación de las subvenciones ha sido la estocada final. Ahora solo nos queda luchar, sin una meta definida, pero sin miedo. Perteneceremos al underground, la única oposición que habrá al cine del capital. Y es ahí donde el cine como lo conocemos ahora desaparecerá y será a mejor, es cuestión de evolución.

Las formas deben cambiar acorde con el mundo. Tal vez deban desparecer como predica Jean-Luc Godard en su última película “Film Socialisme”….si sigue vivo y luchando. O romperlas cada vez que se establezcan modelos como hizo Dziga Vertov a lo largo de toda su vida. Ya no estamos en el siglo XX. Las cosas deben cambiar, evolucionar.

“El futuro del arte cinematográfico es la negación de su presente. La muerte de la cinematografía es indispensable para que viva el arte cinematográfico”

Enter The Void – Gaspar Noe

Esta película no ha encontrado distribución en muchos paises a pesar de poseer de un gran éxito soterrado. Realizada con actores no profesionales (salvo Paz de la Huerta)  nos muestra un  viaje psícodelico a traves de la vida y los recuerdos de un joven buscavidas afincado en tokio. Visualmente excitante, hipnótica.

Francia 2009
Director: Gaspar Noe
Guión: Gaspar Noe
Fotografía: Benoît Debie
Reparto: Nathaniel Brown, Paz de la Huerta, Cyril Roy, Emily Alyn Lind, Jesse Kuhn, Masato Tanno, Olly Alexander, Sara Stockbridge

El aficionado

Hay muchas películas que hablan sobre la fascinación del hombre por el cine. Historias que hablan de personajes deslumbrados por la posibilidad de poder capturar la vida que cruza por el visor de su cámara, gente enamorada, a menudo obsesionada, por el proceso mágico de hacer una película, de filmar. Ahora mismo me vienen a la cabeza algunos títulos, quizá los más conocidos por todos, “Cinema paraíso”, de Tornatore, “Arrebato”, de Ivan Zulueta, o “El fotógrafo del pánico”, de Michael Powell. Pero hoy quiero hablaros de una película que vi hace tiempo, y que creo que podría entrar fácilmente entre las películas más importantes de este tipo de temática, se trata de “El aficionado”, de Krzysztof Kieslowski. Muchos dicen que es su mejor película, bueno, yo no estoy de acuerdo, pero ya se sabe, para gustos los colores… y yo, particularmente, siento debilidad por “Rojo” y “Azul”.

Pero sea o no su mejor película, “El aficionado” es una obra que hay que ver, y más si te gusta el cine.

“El aficionado (Amateur)” cuenta la historia de Filip Mosz, el trabajador de una fábrica que se compra una cámara de super 8 para poder grabar a su bebé a medida que va creciendo, mes tras mes. La primera vez que vemos a Filip filmar algo, es en una reunión de amigos que han ido a verle para celebrar el nacimiento de su hija. Para enseñarles el funcionamiento de la cámara, Filip comienza a filmar a todos sus amigos en un paneo que acaba en la televisión, donde Filip filma el final de un concierto de piano que están televisando. Es una secuencia, que a mi juicio, plantea la temática de la película. El cine dentro del cine. Más tarde, cuando Filip va a ver y filmar a su hija recién nacida, tiene lugar una secuencia que plantea la semilla de otra temática importante dentro de la película, la censura, cada vez más fuerte, más opresora, a la que va a ver sometido sus filmaciones Filip a lo largo de la historia. Cuando Filip va a filmar a su hija mientras le cambian los pañales, su mujer le dice que no lo haga, porque no es correcto grabar a una niña desnuda.

En cuanto el director de la fábrica donde trabaja se entera de que Filip tiene una cámara, le encarga la filmación de un acto conmemorativo que va a tener lugar en la fábrica. La empresa se ofrece a financiar la compra del material que necesite para realizar la filmación. Y así, Filip se enfrenta a su primer trabajo, y se profesionaliza un poco al hacerse con un trípode, rollos de película, y un proyector. Material que es propiedad de la empresa, claro. Pronto, Filip comienza a sentir la necesidad de filmarlo todo, y va siendo consciente de los valores de la narración. Y pronto, demasiado pronto, para mí gusto, su mujer empieza a ver la afición de Filip como algo peligroso que amenaza a su familia, como a una fuerza maligna que pretende arrebatarle a su esposo. Lo cierto es que, desde el momento en el que Filip filma la celebración de la fiesta, su destino queda claro, porque pasa a ser un hombre con una cámara pegada a la cara, que no se despega de ella ni un momento, porque si lo hace, puede que se pierda algo importante, puede que se le escape ese momento único, casual, mágico.

Tras su primer trabajo, y su primer contacto con la edición y el montaje, Filip conoce los primeros halagos, y también los primeros movimientos de censura, que le exigen que haga cambios en su obra. Pese a ello, Filip sigue formándose como autor, y empieza a ser cada vez más consciente de las herramientas que tiene a su alcance para captar la realidad. Un nuevo mundo se abre ante él, y curiosamente, cuanto más se abre ése nuevo mundo, más parece estrecharse el mundo que ya habitaba, y más recelosa se muestra su mujer. Cuanto más se apasiona por lo que hace, cuanto mayor es su obsesión, más se debilitan los cimientos en los que Filip ha sustentado su vida; trabajo, relaciones personales, familia. Todo se resiente bajo el peso de su recién descubierta vocación. El mundo entero y su propia vida se convierten en material de filmación, donde cada momento, aunque sea una discusión de pareja, puede ser encuadrado.

Aquí os dejo  el trailer:

Naturaleza Muerta Jia Zhang Ke

En ocasiones la realidad supera la ficción. Es es caso de Naturaleza Muerta. En este video se puede ver el recorrido de Jia Zhang Ke a través de  los personajes reales (que hacen su propio papel) de una historia verdadera llevada a la pantalla. Cine independiente chino.